• Netflix | 20 Mars 2026 (USA)
• Durée : Durée : 1 H 52
• Genre : Drame, Historique, Policier
• Réalisateur : Tom Harper
• Acteurs : Cillian Murphy, Rebecca Ferguson, Barry Keoghan

Le pitch : Peaky Blinders

« Birmingham, 1940. En pleine Seconde Guerre mondiale, Tommy Shelby est contraint de sortir de son exil volontaire pour affronter un destin tragique. L’avenir de sa famille et de son pays est en jeu, il doit affronter ses propres démons et faire un choix : assumer son héritage ou le réduire en cendres. Sur ordre des Peaky Blinders. »

Peaky Blinders – Le Grand + :

Visuellement, l’univers de la série est respecté. Les costumes sont impeccables, la direction photographique qui en met plein la vue toujours au rendez-vous et les dialogues bien menés. Cillian Murphy crève toujours l’écran avec son charisme naturel.

La production fait la part belle à l’aspect psychologique du personnage de Tommy. On comprend ses luttes, on vit sa vulnérabilité. Une approche qui sonne comme un écho à l’ère où la santé mentale est plus que jamais d’actualité.

Le film assume sa posture de dernière marche. Les nombreux flashs se posent en véritables tableaux d’aurevoir. La bande son mêle mélancolie et tristesse. Une fin poétique qui relève du grand Art. Seulement, on parle bien de Peaky Blinders, et cette dernière danse, si elle a réussi à réunir les fans (une dernière fois ?) divise aussi. Boucler 6 saisons d’une série si excellente par un long métrage, c’est un pari audacieux/fou.

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Peaky Blinders – Le petit – :

La fin de la saison 6 laissait déjà transparaitre comme un air d’essoufflement. A la question de savoir s’il faut se faire les 6 saisons avant le long métrage, je répondrai indiscutablement oui. Sans cela, ce sera un visionnage sans intérêt, car Peaky Blinders est un univers. C’est peut-être pour dresser le tapis rouge aux nouveaux venus que la production a engagé ce voyage périlleux dans la psyché si tourmentée de Tommy Shelby. Entre flash-backs, visions hachées et références dans les dialogues, les différents arcs narratifs se trouvent bridés au niveau de la charge émotionnelle.

Près de 30 minutes durant, c’est un Tommy Shelby bousillé, celui de la fin de la saison 6 qui nous est présenté. Et quand ce meneur d’homme semble être parvenu à vaincre ses démons, le mercure monte rapidement mais retombe aussitôt. La scène du pub par exemple est pile dans l’esprit de la série. Mais à peine terminée que toute la tension retombe.

Dans les saisons précédentes, le personnage déjà très fort de Tommy était soutenu par d’autres personnages non moins importants. C’est le cas de Arthur Shelby par exemple. Son absence dans cette fin de saga se fait terriblement remarquer. Quant au justificatif de son absence, on aurait pu trouver mieux.

En fait, le film se présente comme une simple conclusion de saga, là où des fans qui ont attendu des années durant espéraient la suite d’une histoire. Ainsi, la trame narrative est d’une minceur de top modèle. On attend le miracle de la série, mais il ne vient jamais. Ou peut-être sommes-nous devenus un peu trop exigeants ? La lenteur narrative, et le manque de profondeur n’aident pas particulièrement. Un peu comme l’excellence de la série qui donne du fil à retordre, quand on veut lui donner une conclusion.

C’est le cœur en lambeaux que j’affirme que Le syndrome des fins bâclées n’a fait qu’une bouchée de Peaky Blinders. Au moins ça c’est dit, au beau milieu du morne hiver ! Avé spin off viendra nous sauver.

Direction photo impeccable | Trame timide | Manque de profondeur

Indice de Recommandation / 5 : [3/5]

• TV d’Orange – FS Studio | Mars 2025 (Cote d’Ivoire)
• Durée : Durée : 26 épisodes (~24 min/épisode)
• Genre : Dramatique, Humour
• Réalisateur : Francis Golé / Création : Malicka Ouattara
• Acteurs : Marie Paule Adjé, Ephraim Oka, Grâce Malan

Le pitch : Maquisards 2 

« Prince, un jeune homme qui vit dans la commune populaire de Yopougon gère le maquis de sa tante Sidonie, son plus grand rêve, est d’être propriétaire de la plus grande boîte de nuit d’Afrique de l’ouest. Il se bat au quotidien pour réaliser son rêve qui est en réalité le rêve de son père mort. Il est amoureux de Suzy, une fille qui est intéressé par l’argent facile et qui aime les Sugar daddy »

Le Grand + :

Il existe une théorie qui voudrait que soit dressé un mur impossible à franchir, devant les saisons 2. Et l’expérience a montré que dans de nombreux cas, bien de productions se cassent les dents à ce niveau. Après un succès retentissant comme l’a connu Maquisards dans sa première saison, envisager une saison 2 est donc un pari plus que risqué. L’équipe de Maquisards a décidé de prendre son ticket !

Maquisards 2 : Un choix risqué au casting

Au niveau du casting, le premier élément qui n’a pas manqué de susciter un grand intérêt c’est l’absence de Marie-Josée Néné. Dans le rôle de Grâce, un personnage majeur de la série. De ce fait, il fallait maintenir le personnage, quitte à remplacer l’actrice qui le joue. Marie-Josée Néné Out, Grâce Malan In. Un choix audacieux qui a finalement été une grosse réussite. Chapeau bien bas pour l’adaptation/transition.

En parlant de chapeau, s’il est des personnages pour qui il faut le mettre bien plus bas encore, ce sont Prince, Limo, Idriss, Tonton Michou, Suzy – j’y reviendrai – pour la belle ambiance qu’ils ont su maintenir au maquis. La série n’a pas manqué d’intégrer des guests, en l’occurrence Sadia et Lady Glams, dont le jeu est plutôt correct.

On en parle très peu, mais la bande originale de Maquisards est une vraie claque pour les oreilles. Notamment le feat de Bumer avec Landro Fils Beni, et celui avec Abomé Lelefant. La playlist, disponible sur les plateformes légales se laisser réécouter.

Dans Maquisards 2, les personnages sont bien emmenées

L’évolution de l’histoire, tout comme celle des personnages a eu droit à une attention particulière. Par exemple, lors des premiers épisodes, l’on retrouve un Prince défaitiste. Il fait planer à lui tout seul une ombre sur toute la saison. Quand il décide enfin de se relever, la série semble enfin décoller. Preuve que l’écriture est bien menée.

Attardons nous un peu petit peu sur le personnage de Suzy dont les nombreux excès trouveront leurs explications dans les séquences d’introspections. S’en suivront des remises en question. Mais il ne faut pas se tromper, Suzy ce n’est pas une silhouette docile qui chasse si facilement le naturel. Son évolution reste tout à fait crédible et maitrisée. Quant à Prince, il ne perd pas de vue son objectif « d’être propriétaire de la plus grande boîte de nuit d’Afrique de l’ouest », malgré les nombreuses difficultés. Et ce triangle amoureux qui fait voler de nombreux éclats au rythme des décisions impulsives.

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La fin de la saison 2 annonce une suite. En nous laissant sur un cliffhanger plus ou moins marqué, une question pointe. Suzy s’en sortira t-elle ? Seulement, dès le lendemain de la diffusion de ce dernier épisode, Marie Paule Adjé annoncera qu’elle quitte le show – ce qui reviendrait à dire qu’elle ne survivrait pas. Pas très pro je trouve. Où est-ce une stratégie ? L’avenir dira !

Maquisards soulève bien de thèmes d’une extrême importance, avec un traitement franc et passionnément ivoirien : la jalousie, la quête d’un lendemain meilleur, la passion amoureuse face à une lecture réaliste, le poids du passé, le mariage forcé déguisé, le choix de la facilité, le chômage, la condition de la femme… chacun sa lecture.

Le petit – :

La saison 2 de Maquisards prête cependant le flanc à bien des niveaux. Le premier point négatif, justifiable avec des arguments capitalistes, reste les nombreux placements de produits. La pilule serait plus douce à avaler si la subtilité était de mise. Mais puisqu’il faut bien « stabiliser pour rentabiliser… »

Le personnage de Suzy a beau être le prolongement d’un profile bien existant de personnes, le jeu de Marie Paule Adjé a montré bien d’excentricités dans la saison 2. Elle est montée d’un cran par rapport à la saison précédente. Des gros mots et des cris à n’en point finir, si bien que par moment, il devenait quasiment impossible de l’entendre de façon claire. On peut hausser le ton sans crier n’est-ce pas ? De plus, certains propos apparaissent trop vulgaires si l’on tient compte des heures de diffusion, et du public susceptible de consommer ce contenu. D’ailleurs, aucun avertissement sur la limite d’âge. J’espère me tromper à ce niveau.

Autre élément important à mentionner, les deux fils du pasteurs ont plus fait de l’occupation de temps d’antenne qu’autre chose. Humour forcé, jeu approximatif, répliques hasardeuses… la série s’en serait bien passé.

Au delà de tout ce qui peut être dit, Maquisards 2 est parvenu à convaincre son public, qui attendra impatiemment la saison 3, dont le tournage est déjà terminé.

Écriture maitrisée | Atmosphère réaliste | Personnages attachants

Indice de Recommandation / 5 : [4/5]

• Netflix : 26 décembre 2024 (Corée du Sud)
• Durée : 7 épisodes (~60 min/épisode)
• Genre : Drame, Thriller
• Réalisateur : Hwang Dong-hyuk
• Acteurs : Lee Jung-jae, Lee Byung-hun, Wi Ha-joon, Im Si-wan, Kang Ha-neul, Lee Jin-wook…

Le pitch : Squid Game 2

« Annonçant le grand retour du succès planétaire, un nouveau chapitre s’ouvre pour Gi-hun, qui a une idée en tête après avoir renoncé à partir pour les États-Unis. »

Le Grand + :

La force d’une réalisation doit beaucoup au développement de ses personnages, à la profondeur de leur narratif. Squid game y porte une attention particulière. Comment en serait-il autrement ? Le fait d’être tous embarqués dans la même galère pousse les personnages à s’ouvrir au fil des épreuves. Sans le réaliser, on finit par s’attacher à ces gens finalement si ordinaires, aux défauts grossis, à la vulnérabilité évidente, si bien qu’on s’identifie facilement à eux.

Squid Game 2 : Un pari audacieux

Et puis le bouclier de l’immortalité disparaît. Chaque personnage étant susceptible de mourir à tout moment, la connexion émotionnelle devient très intense. À ce niveau, la saison 2 est même allé plus loin, en insistant sur la ligne de démarcation entre les deux camps. Impossible de ne pas ressentir ce sentiment d’appartenance. Ceux qui veulent arrêter les jeux/ceux qui veulent mettre le continuer. Les bons/les méchants. Les réalistes/les cupides. Le socialisme (servir la majorité en petite quantité)/Le capitalisme (servir une minorité en grande quantité). La Corée du Nord/la Corée du Sud.

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En prenant le pari de s’engager sur une saison 2, il était évident qu’il deviendrait difficile de surprendre les spectateurs. D’autant que le principe des jeux restent le même : rester en vie pour empocher le jackpot. La seule variable devenait la nature des jeux. Seulement, le premier jeu est si emblématique que le changer reviendrait à se tirer une balle dans le pied. Et la production le sait. Elle ne prendra pas de risque. Comme Seong Gi-hun, le joueur 456, on tombe naïvement dans le panneau, pensant que tous les jeux seront similaires aux précédents. Erreur de débutant.

Encore fallait-il casser avec la monotonie pour éviter un remake fade et insipide. Les deux derniers épisodes viennent alors trancher avec le plan initial. C’est détonant. Bien que s’y glissent certaines facilités scénaristiques, l’atmosphère générale est bien perchée. Comme on aime.

Des liens subtils avec la saison 1 de Squid Game

La production a également fait le choix de dénouer certaines questions, tout en créant d’autres. L’histoire elle se déroule sur 3 fronts : les jeux, l’équipe des tueurs armés, le commando chargé d’identifier le lieu où se déroulent les jeux. De quoi entremêler plusieurs arcs narratifs et épaissir l’intrigue.

Des personnages forts, bien présents à l’écran, serait-il possible de ne citer Thanos, aux joueurs dont on redoute la mort au regard de leur vulnérabilité – le joueur 007 et sa mère le joueur 149 – le casting a fait le choix de la diversité. D’ailleurs, il apparaît comme une parallèle entre certains personnages de l’univers Squid Game :

•  les joueurs 001 des deux saisons (évident)
•  le meneur des gangsters de la saison 1 (le joueur 101)/Thanos dans la saison 2 (le joueur 230)
•  la mère et son fils (007 et 149)/ la mère et le fils de la télé-réalité Squid Game le défi
•  la joueuse 212, tueuse du chef de gang de la saison 1/la chamane de la saison 2 (la joueuse 004)

Le petit – :

• Netflix : 4 octobre 2024 (Espagne)
• Durée : 1 H 39 minutes
• Genre : Epouvante-horreur, Science Fiction
• Réalisateur : Galder Gaztelu-Urrutia, David Desola
• Acteurs : Milena Smit, Natalia Tena, Hovik Keuchkerian

Le pitch : La plateforme 2

« Pensez-vous qu’on puisse faire régner l’ordre dans l’enfer de la Plateforme ? Et si c’est le cas, qui peut s’en charger ? »

Le Grand + :

Une pièce immense avec encore et encore des serrures. Pour percer l’univers de La Plateforme il faut des clés en grand nombre. En fait, il faut regarder au delà de ce qu’affiche l’écran. Certains apprécieront certainement. Et puis, le fait que chaque personnage apporte sa part de mystère titille notre penchant voyeur.

De façon globale, le film tance notre société, où l’individualisme et l’intérêt personnel priment. Mais à quel prix et au delà de quelles limites ? C’est l’une des questions essentielles que soulève le film. Mais autour de ce thème gravite plusieurs sujets forts intéressants : la rédemption, le respect des lois, la justice, l’équité, la confiance, l’esprit d’équipe, l’avidité… on n’en finirait pas

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Il faut avoir un regard averti pour imbriquer les différentes pièces du puzzle. Les dialogues de la plateforme 2 se connectent pour apporter des réponses, les scènes se recomposent pour renforcer la pertinence des messages, les fins s’emboîtent pour donner sens à l’histoire. Allégories, références multiples, confessions sous forme d’hallucinations… tout y passe. De quoi emmener à se creuser les méninges.
Seulement, la magie que le premier opus avait créée avec son univers atypique s’estompe très rapidement, car déjà longuement exploité. Et puis vient l’ennui…

Le petit – :

Trame complexe | Univers atypique | Thèmes nombreux

Indice de Recommandation / 5 : [2.5/5]

• Netflix : 19 septembre 2024 (Etats-Unis)
• Durée : 9 épisodes | ~60 minutes/épisode
• Genre : Drame, Thriller
• Réalisateur : Ryan Murphy, Ian Brennan
• Acteurs : Cooper Koch, Nicholas Alexander Chavez, Javier Bardem

Le pitch : Monstres, l’histoire de Lyle et Erik Menendez

« L’histoire troublante de Lyle et Erik Menendez, deux frères qui ont été condamnés en 1996 pour le meurtre de leurs parents… »

Le Grand + :

Une fois de plus, et peut-être d’avantage ici, la profondeur du narratif rivalise avec la parfaite maitrise du jeu d’acteur. Et il faut le dire net, la production tentera de s’introduire dans votre esprit. Soyez certains qu’elle y parviendra brillamment.

Le casting

Du grand art ! Voila comment l’on qualifierait la prestation des frères Menendez, Nicholas Chavez (Lyle) et Cooper Koch (Erik). Ils sont parvenus à retranscrire une foule d’émotions, et Dieu sait que la série nous en sert en quantité. En fait, il fallait, pour chacun, jouer deux personnages, sinon deux facettes d’un même personnage. Car oui, c’est à ce jeu que s’adonne la trame narrative.

Des personnages principaux aux secondaires, le jeu est satisfaisant. Sans exagération, les acteurs transposent toutes les émotions avec justesse. Et l’on le ressent. La palette est garnie. La gène. La colère. La pitié. Et puis le doute. Un doute profond.

Le narratif

Le style narratif de la série est assez atypique. De fait, la même histoire prend plusieurs colorations selon qu’elle est racontée à X où à Y, ou selon le contexte du moment. On se rapproche alors un peu plus d’une sorte de reconstitution des faits. Attention à ne pas vous laisser berner.

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L’approche psychologique :

À la différence de la série Dahmer, cette version ne fait pas dans le trash. Bien entendu la fusillade de l’épisode 1 perturbe, mais l’attention est portée ailleurs. Ici, c’est aux dialogues qu’il faudra prêter attention. Pourtant, en le faisant, vous avez de fortes chances d’atterrir sur de fausses pistes bien huilées. Au fil des épisodes, l’on s’enfonce dans l’esprit torturé des frères Menendez. Et l’exercice n’est pas une promenade de santé.

La direction photo :

Des choix des costumes aux plans parfois inattendus, l’on est visuellement « gâté ». Il n’y à se pencher sur l’effet qui se produit lorsque les frères se retrouvent seuls. La charge émotionnelle est aussi forte que l’ambiguïté de leur relation fraternelle. La scène finale reste une perle de ce point de vue.

Le petit – :

Jeu d’acteur stimulant | Narration atypique | Profondeur psychologique

Indice de Recommandation / 5 : [4.5/5]

• Netflix : Avril 2024 (Grande-Bretagne)
• Durée : 7 épisodes | ~30 minutes/épisode
• Genre : Comédie, Drame, Thriller
• Réalisateur : Richard Gadd
• Acteurs : Richard Gadd, Jessica Gunning, Nava Mau

Le pitch : Mon Petit Renne

« Inspirée du one man show de Richard Gadd, crée à Edinburgh Fringe 2019, qui suit sa relation tordue avec une harceleuse et l’impact qu’elle a sur lui alors qu’il est finalement obligé de faire face à un traumatisme profond et sombre enfoui…»

Le Grand + :

La finesse d’écriture de Mon Petit Renne fait son charme. Dès le premier épisode, on a le privilège de rentrer dans la tête de Donny. Ses voix intérieures servent alors de boussole pour situer le contexte à chaque fois. L’apport de cette approche est extraordinaire au niveau émotionnel. On devient de fait, un confident de Donny et on va traverser toutes les galères à ses cotés.

Casting réussi

Parlons du casting et du personnage de Martha. Chapeau bien bas. Personnage tourmenté, à cheval entre trouble de la personnalité et psychopathie, Jessica Gunning a su porter le rôle avec tellement de réussite qu’on oubli que ce n’est qu’un rôle. Elle suscite même de la peur de nombreuses fois. Naturellement, il fallait un protagoniste avec du répondant… Richard Gadd est à la hauteur. Les personnes secondaires eux aussi ne viennent pas du tout dénaturer le tableau. Bien au contraire.

Que seraient des jeux d’acteurs qui en jettent sans des répliques incisives. L’écriture de Mon Petit Renne est taillée pour titiller vos émotions. Que vous inspirerait cette question de Martha Scott par exemple ? « Tu n’as jamais voulu ouvrir la peau des gens et t’installer à l’intérieur d’eux ? Il faudrait une fermeture éclaire qui s’ouvre du menton jusqu’au nombril… »

Thèmes audacieux

Les thèmes abordés par la série sont nombreux. On part de ceux de tous les jours, à ceux que l’on n’oserait même pas aborder : solitude, quête de soi, harcèlement, viol, trouble de l’identité sexuelle… une chose est d’aborder un sujet, mais toute la différence réside dans la manière de le faire. Tout l’intérêt du passage de l’écriture à la réalisation.

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La trame suit une progression linéaire, jusqu’à ce que Donny voit des souvenirs douloureux refaire surface. Dès cet instant, la série bascule dans une ambiance complètement sombre. La gêne est poussée très loin, sans faux-fuyant. L’épisode 4 est le plus insoutenable par excellence.

En fin de compte, on observe Donny s’enfermer dans des pièges aux revers violents. Il fait de mauvais choix, subit, tente de s’en sortir, replonge encore plus profondément, touche le fond, se reprend, s’interroge sur plusieurs questions. C’est à ce niveau sur la série devient réellement une sorte de miroir de notre société actuelle. C’est qu’elle soulève de nombreuses questions, et montre finalement que les liens entre les douleurs du passés et les choix actuels, sont plus solides que l’on le pense.

Le petit – :

 Jeu d’acteur excellent | Dialogues prenants | Thématiques audacieuses

Indice de Recommandation / 5 : [4.5/5]

• Netflix : 2024 (USA
• Durée : 8 épisodes | ~60 minutes/épisode
• Genre : Drame I Thriller
• Réalisateur : Steven Zaillian
• Acteurs : Andrew Scott, Johnny Flynn, Dakota Fanning

Le pitch : Ripley

« Tom Ripley, un escroc new-yorkais qui tire le diable par la queue au début des années 60, est engagé par un homme richissime qui l’envoie en Italie pour tenter de convaincre son fils bohème de rentrer à la maison. En acceptant cette mission, Tom met le doigt dans un engrenage complexe qui va le mener au mensonge, à la fraude et au meurtre…»

Le Grand + :

Parce que c’est une série tournée entièrement en blanc et noir, l’expérience est un peu déstabilisante au début. Mais c’est un fait. Une fois que vous vous engluez dans l’intrigue, l’absence de couleur apparait franchement tel un détail. Mieux, les couleurs peuvent sembler ajouter un couche de distraction dont la production vous aura débarrassée.

Si le personnage de Ripley interpelle tant, c’est surtout à mettre au compte de son interprétation magistrale. Andrew Scott porte son rôle comme un gant de velours… avec un caractère de métallurgiste. Car oui, Ripley souffle le chaud et le froid. D’un caractère à l’autre, vous aurez parfois l’impression de profiter du jeu de deux acteurs. Quant à Ripley il vous apprendra à passer de la compassion au dégoût. Du blanc au noir.

Avec une écriture fine, lente et incisive, la série explore les arcanes des relations humaines à la fois complexes et fascinantes. La direction photo a réussi à en faire une véritable série d’époque. On se surprend à déambuler dans le Naples des années 60. À découvrir l’architecture napolitaine, la bienveillance de ses habitants, leur mode de vie raffiné. Certains plans, sans véhiculer un seul mot, dégagent une énergie communicante. C’est le cas d’une scène entre Tom et Dickie Greenleaf, qui présente avec tact, un pan du profile psychologique du personnage principal. C’est généreux et réussi.

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La complexité du récit rivalise avec la froideur et le cynisme de Ripley. Il dévoile sa véritable nature, à mesure qu’il s’enfonce dans une voie sans issue. Sur les 3 derniers épisodes, vous aurez peut-être besoin de faire replay pour capter certains détails. Bienvenu là où le temps se suspend.

Le petit – :

Ripley fait dans la lenteur. Les premiers épisodes prennent le temps de bien poser le décor pour ensuite dérouler la trame. Seulement, après le tournant décisif de la série, l’histoire piétine. C’est peut-être voulu, mais ce n’est pas sans faire tomber dans la lassitude. Mais l’intrigue si bien menée fait que l’on souhaite voir le dénouement de l’histoire.

Soyez prêts à composer avec le sous-titrage. De nombreuses séquences sont intégralement en Italien et sont évidemment sous-titrées. Seulement, le fait d’alterner entre le Français et l’italien peut être lourd par moment.

D’ailleurs, la fin de la série continue de susciter diverses interprétations. N’est-ce pas là l’une des signatures des grandes productions ?

Finesse d’écriture | Personnages profonds | Lenteur scénaristique

Indice de Recommandation / 5 : [4/5]

• Warner Bros : 28 février 2024 [ USA – CANADA ]
• Durée : 2 H 46
• Genre : Drame, Science Fiction
• Réalisateur : Denis Villeneuve
• Acteurs : Timothée Chalamet (Paul Atréides), Zendaya (Chani), Rebecca Ferguson (Dame Jessica), Javier Bardem (Stilgar), Stellan Skarsgard (le baron Vladimir Harkonnen), Dave Bautista (Glossu Rabban), Florence Pugh (Irulan), Austin Butler (Feyd-Rautha)

Le pitch : Dune, deuxième partie

« Paul Atréides se rallie à Chani et aux Fremen tout en préparant sa revanche contre ceux qui ont détruit sa famille. Alors qu’il doit faire un choix entre l’amour de sa vie et le destin de la galaxie, il devra néanmoins tout faire pour empêcher un terrible futur que lui seul peut prédire…»

Le Grand + :

Dune deuxième partie c’est l’expression du capitalisme. De tout temps, ici ou ailleurs, les hommes se sont toujours battus pour garder le contrôle. Comment le film raconte-t-il cette quête du pouvoir ?

Densité de l’univers

Dune, c’est un univers à part entière avec plusieurs planètes : Arrakis, Caladan, Giedi Prime et Kaitain. Dune, c’est également l’autre nom de la planète Arrakis. La principale ville de Arrakis, donc sa capitale, c’est Arrakeen. Déjà, ça commence fort.

À cela, il faut ajouter plusieurs maisons (grandes familles) dont la Maison Atréides et la Maison Harkonnen. On y trouve des bestioles appelées vers des sables, une denrée, l’Épice, un poison, l’Eau de Vie, un habitat, le sietch… Bref, c’est tout un univers qui s’ouvre au cinéphile, dont l’exploration est un véritable voyage. Si avez coché la case du premier chapitre avant de vous attaquer au 2, tout devrait se faire en douceur.

Profondeur des personnages

Sur Dune donc, la réalisation de la deuxième partie étend le discours et se concentre sur son évolution. On retrouve alors des personnages plus élaborés, en l’occurrence Paul Atréides, Chani ou encore dame Jessica… et l’on découvre toute la subtilité des vers de sable. La parallèle du côté des super méchants est encore plus parlante.

Pour donner un surplus de cruauté à Glossu Rabban, interprété par Dave Bautista, il se fait « remplacer » par son jeune frère Feyd-Rautha, joué par Austin Butler.

Jeu d’acteur subtil à souhait, bourrin à la demande

Avec un budget de 190 millions de dollars, la production s’est offert un casting XXL. Il n’y a qu’à voir les noms des personnages secondaires (Rebecca Ferguson, Javier Bardem, Austin Butler, Dave Bautista, rien que ça !) Et cela se ressent dans le jeu bien évidemment. Entre un Paul et Chani fusionnels (leur attirance est visible dès le premier contact), des méchants forts convaincants, et une Révérende Mère (la nouvelle) magnétique.

Le tournant le plus décisif se ressent lorsque Paul accepte sa position de Messie. Ce n’est pas que son discours qui change. Cela va plus loin. Même physiquement, le gars n’est pas le même, son expression faciale, son jeu, ce qu’il dégage, tout devient différent. J’ai pris une claque là.

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Décor, environnement, ambiance… le must

Le succès de Dune doit normalement à son environnement général. Visuellement, c’est une réussite extraordinaire. Je me suis rarement extasié devant une telle richesse visuelle – avatar avait réussi a déclenché ce truc en moi – mais aussi sensorielle. Il n’y a qu’à se focaliser sur le son des marteleurs qui tapent dans le sable pour réaliser à quel point l’expérience est poussée. L’environnement sonore créé par Hans Zimmer est prenant de bout en bout. Au niveau des costumes, que dire de plus ? C’est à la fois futuriste et tendance.

La force des adaptations c’est de partir d’éléments déjà existants pour les formaliser. Exercice à la fois difficile et challengeant. Les nombreux accessoires présents dans Dune ajoutent une couche de magie aux différents arcs narratifs.

Thèmes multiples

À la poursuite d’une quête personnelle qui peut s’apparenter à la survie, à la vengeance, puis à la conquête, Paul Atréides trimballe plusieurs thématiques dans son sillage : écologie, politique, amour, religion, loyauté, jeu des alliances… la complexité de la production donne de nombreuses possibilités de lecture.

Sans vouloir faire l’équilibriste, il faut admettre que l’épaisseur de l’univers Dune peut rebuter certains. Sur le coup, Denis Villeneuve a joué à quitte ou double !

Le petit – :

Dune est une adaptation qui s’étend sur 2 films. Se lancer à la poursuite de la deuxième partie sans avoir vu la première partie vous fera manquer certaines subtilités. Et ce n’est pas la complexité de l’univers Dune qui vous facilitera la tâche. Si à cela, l’on ajoute les 2 H 46 que dure le film, la partie de plaisir peut très vite prendre d’autres allures.

D’ailleurs en parlant de la durée, j’ai trouvé cela éprouvant. Mon impression était la même pour la première partie et ses 2 H 36. Sur cette durée, j’ai parfois décroché avant de me replonger sur Arrakis.

Si la trame générale de Dune n’est pas particulièrement original, choc des pouvoir, pour contrôler les ressources afin d’imposer sa domination, c’est l’environnement dans lequel l‘histoire se déroule qui fait tout son charme. Comme Paul qui met en marche la prophétie et la subit par la même occasion, le succès de ce deuxième opus semble indiquer que l’on aura droit à une partie 3. Et ce ne sont pas les fans qui bouderont leur plaisir.

Univers et décors riches | Casting et jeu d’acteur XXL | Longueur qui peut rebuter

Indice de Recommandation / 5 :

• Netflix : 19 janvier 2024 [ Allemagne ]
• Durée : 1 h 29 min
• Genre : Action – Drame
• Réalisateur : Philip Koch, Oliver Kienle
• Acteurs : Emilio Sakraya (Octavio), Dennis Mojen (Paul), Florian Schmidtke (Winkler), Marie Mouroum (Cosima)

Le pitch : soixante minutes

« Devant assister coûte que coûte à l’anniversaire de sa fille à défaut d’en perdre la garde, un champion d’arts martiaux renonce à un match et se fait de sérieux ennemis. »

Le Grand + :

Soixante minutes est un film qui se laisse regarder sans trop se prendre la tête. La trame mise sur un argument très favorable au suspense. En s’appuyant sur le compte à rebours de soixante minutes, la réalisation parvient à actionner la pression du temps. Mais cette approche simpliste est bien plus profonde. En fait, Octavio est face à un dilemme. Il doit choisir entre sa vie de famille et sa carrière professionnelle. Une réalité que nous ne connaissons que trop bien. Et ce ne sont pas les femmes qui diront le contraire.

Certaines scènes de combat du film font l’effort d’être convaincantes. Il faut dire que l’acteur principal, Emilio Sakraya champion d’Allemagne de karaté en 2010. Par contre il ne faut pas trop s’emballer. Quoique le casting ne souffre pas, et les jeux d’acteurs sont plutôt bons. A plusieurs reprises il y aura de l’humour avec plus ou moins de reussite. La scène la plus réussie dans ce sens est certainement celle du taxi, au début de la course poursuite.

Le petit – :

Il manque une pointe de réalisme à ce film. Tout le long, j’en suis venu à me poser cette question encore et encore. Mais pourquoi tout ça ? N’y a-t-il pas une autre approche ? Est-ce la meilleure solution ? Le fait que l’on découvre que le combat est truqué vient tout de même justifier le refus de se battre de Octavio.

Incohérence scénaristique

Le point d’ancrage du film repose sur une scène particulière. Octavio est à deux doigts de monter sur le ring quand il reçoit un appel. Il décide alors de ne plus faire ce combat… mais qui garde une oreillette juste avant de monter sur un ring ? Qui le fait ?

Ce n’est pas tout. L’on assistera à plusieurs scènes parfois tirées par les cheveux. Des adversaires qui se font démonter un peu trop facilement, des apparitions inattendues, des balades inutiles… Peu d’originalité.

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Zéro connexion émotionnelle

Le film pêche par son manque de connexion émotionnelle. A aucun moment l’on ne ressent de la compassion, de la peur ou même de l’inquiétude. Tout à l’air faux et surjoué. Le seul instant qui m’a ramené, ce sont les propos du père de Octavio, à 25 minutes de la fin. Pourtant, il y a bien d’éléments pour créer cette connexion qu’on adore tant au cinéma.

Le temps qui s’étire

Dans le film, le compte à rebours est de soixante minutes. Seulement, si l’on s’en tient à la chronologie des évènements, on est bien au delà des soixante minutes avancées. Par exemple, après bastons, course-poursuite, « rebaston », et « re-course-poursuite », l’on n’a que 10 minutes qui sortent du décomptage. Et plus l’on avance, plus le décompte devient grotesque.

La fin du film aurait pu rattraper les nombreux couacs, mais ce n’est pas le cas. « Soixante minutes » finit avec une tiédeur déconcertante. Rien de plus à ajouter.

Peu original | Incohérences scénaristiques | Scènes de combat parfois plaisantes

Indice de Recommandation / 5 :

• Netflix I BBC : USA (30 décembre 2023)
• Durée : 6 épisodes I 40 minutes/Episode
• Genre : Documentaire – Sport
• Réalisateur : Ben Turner et Gabe Turner

Le pitch : Capitaines de la coupe du monde

« Des vestiaires aux terrains, cette série documentaire offre un accès exclusif à chacune des 32 équipes en compétition pour décrocher la Coupe du monde FIFA 2022. »

Le Grand + :

Capitaines de la Coupe du monde donne un accès privilégié aux vestiaires des plus grandes équipes du monde. A travers ses 6 épisodes, on suit le parcours des 32 équipes qui ont pris part à cette compétition prestigieuse.

Les capitaines, les acteurs clés

Qui mieux que les capitaines pour parler de leurs équipes ? Ainsi, on retrouvera des échanges directs avec Cristiano Ronaldo (Portugal), Lionel Messi (Argentine), Luka Modric (Croatie), Thiago Silva (Bresil), Harry Kane (Angleterre), Gareth Bale (Pays de Galles), Maya Yoshida (Japon), Simon Kjær (Danemark), Kalidou Koulibaly (Sénégal), Romain Saïss (Maroc)… De quoi découvrir une autre facette de la coupe du monde.
Tout commence par une histoire, qui peut différer d’une équipe à l’autre. Le but ultime reste le même, remporter la compétition de football la plus emblématique. Pour y arriver il faudra braver bien des obstacles.

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Images exclusives

Le docu donne accès à des images exclusives de la compétition. Il faut dire que les équipes de Netflix étaient aux premières loges, à voir la qualité des images, mais surtout les angles de prises. Les émotions sont beaucoup plus amplifiées et l’on perçoit une dimension plus épique de la compétition. En immersion totale.

Digressions

De nombreuses digressions sont faites pour aborder des sujets qui ne sont pas en lien direct avec la compétition. Ainsi, l’état de santé de Maradona sera abordé, la dimension hautement politique de l’édition du Qatar, les dilemmes auxquels sont confrontés les footballeurs à la double culture, la pression des supporters qui engage l’honneur, les parcours extraordinaires de certaines équipes, certains capitaines…

Questions d’actualité

La coupe du monde Qatar 2022 a fait couler beaucoup d’encre et de salive. C’est là tout l’intérêt de ce docu. La production abordera certains politiques, et leurs impacts sur les joueurs de certaines sélections.
Le ton est gai et l’approche prend des allures de confessionnal. Le documentaire est une véritable aventure vers la finale. L’on aura même droit à l’intervention de sélectionneurs.

Le petit – :

Centré sur les capitaines de certaines équipes, d’autres seront tout bonnement « ignorés ». Bien entendu, il fallait tenir compte de certaines contraintes. Ainsi, vous aurez peut-être l’impression que certains joueurs prennent trop de place.

L’on aurait voulu avoir plus de détails sur l’atmosphère qui prévaut après les défaites. Histoire de montrer quelque chose d’inhabituel pourquoi pas.

Images exclusives | Récit immersif | Allures de confessionnal

Indice de Recommandation / 5 :

Des souvenirs douloureux…

Notre nouvelle série documentaire évènement Capitaines de la Coupe du Monde, retrace la Coupe du Monde de la FIFA 2022 à l’aide d’images et accès exclusifs, le 30 décembre. pic.twitter.com/Xjmo3lvfSw

— Netflix France (@NetflixFR) December 22, 2023